本文目录一览：
- 1、吴冠中的残荷之美有什么感想
- 2、吴冠中的沧桑之变赏析？
- 3、吴冠中作品赏析有哪些？
- 4、如何欣赏吴冠中先生的作品
- 5、19课父爱之舟读后感50字？
- 6、如何解读吴冠中的艺术作品？
- 7、鉴赏吴冠中油画《长江三峡》
- 8、请从美学角度评论一下吴冠中的作品《崂山松石》
- 9、鉴赏吴冠中的《春如线》
吴冠中的残荷之美有什么感想
吴冠中的残荷之美的感想是荷塘中大块小块叶片之交错，曲线直线穿插之繁杂，连倒影也已被包围进叶丛中，难分水上水下，似乎我只是叶底的昆虫，迷途於花叶的迷宫。
在中国传统文人画中，荷是一个永恒的主题。对此，吴冠中也有着自己独特的绘画观：中国传统绘画中的荷花卷轴汗牛充栋，但那些程式化了的荷图并不令我激动。而荷塘中大块小块叶片之交错，曲线直线穿插之繁杂，连倒影也已被包围进叶丛中，难分水上水下，似乎我只是叶底的昆虫，迷途於花叶的迷宫。
吴冠中《残荷》水昙真纸2007年63x83cm中国美术馆藏残荷启迪吴冠中的笔飞墨舞、荷早民他去、秋风乍起折断了植枝。她们的枝、线形影在水中倒成了一幅顿几何象绘画。除却等待，莫赏心自求多福，放着身心云游四方。遍质、半具象、半象征艺术形式自成一格。
吴冠中说他读了一遍荷之生命历程，想表现《残荷》( 上图)，想画的已非荷非塘了，而是自己的春秋，自己的风骨。
吴冠中简介：
吴冠中（1919到2010），江苏宜兴人，当代著名画家、油画家、美术教育家。油画代表作品有《长江三峡》、《北国风光》、《小鸟天堂》、《黄山松》、《鲁迅的故乡》等。个人文集有《吴冠中谈艺集》、《吴冠中散文选》、《美丑缘》等十余种。 2010年6月25日23时57分，吴冠中先生因病医治无效，在北京医院逝世，享年91岁。
2016年4月4日，吴冠中油画《周庄》以2.36亿港元成交，刷新中国油画拍卖纪录。2019年6月2日，吴冠中水墨画《狮子林》以逾1.4亿元价格成交。
吴冠中在50～70年代，致力于风景油画创作，并进行油画民族化的探索。他力图把欧洲油画描绘自然的直观生动性、油画色彩的丰富细腻性与中国传统艺术精神、审美理想融合到一起。从70年代起，吴冠中渐渐兼事中国画创作。他力图运用中国传统材料工具表现现代精神，并探求中国画的革新。
吴冠中的沧桑之变赏析？
] 吴冠中致力于风景油画创作,并进行油画民族化的探索.他力图把欧洲油画描绘自然的直观生动
吴冠中的沧桑之变它与写实绘画有的最大不同就是 ，写实是要刻意地将事物的本事描绘的面面俱到。 而他的那个沧桑之变只能算是写意。吴先生可能有感于中国社会一百年来的风云变幻，也可能感慨自己一生学艺坎坷，沧海变桑田，是漫长的过程，见沧海者未识桑田，桑田里的人则难于想象此地本处沧海中。沧海与桑田都是人世具象，而其转化中的过程却近乎抽象了。
吴冠中作品赏析有哪些？
1、吴冠中作品赏析之狮子林
画中假山均以线条勾出，直线、折线、曲线及弧线等等的组合，雅致大方，变幻莫测。假山形状各异，有的玲珑剔透，有的气势磅礴，有平易近人之情，有光怪陆离之状，千奇百怪，妙在似与不似之间。
大量线条的运用使画面极富东方神韵，不过运笔并不追求传统意义上的笔锋和顿挫，而是流畅、明快、飘逸的。在疾徐挥洒间凸现的节奏感、韵律美，在大片色块烘染下产生的富有平面感的张力，使画面产生一种全新的美感。既有传统中国画之气韵，又有西方绘画之形式趣味。
2、吴冠中作品赏析之梯田
此幅《梯田》能将江南水田的山色、水色、光色同时画出来，与《桂林水田》相比，还是此幅作品略胜一筹。此图布局精妙，线条准确有力，点线纵横交织，繁而不乱；色墨交融，华而不杂，非大功力不可有此境界。
此图在画面增添了空隙与生气，水波不兴的水面，起到动中有静的调节作用，令人胸中紧张之气得以一舒，妙不可言。
3、网狮园纸本彩墨
此幅《网师园》，尺幅巨大，是吴冠中在这一重要时期，‘一切景语，皆情语’之力作。黑瓦白墙江南清韵作品采用黑、白、灰三种基本色主导，统领画面。以大块墨色写就黑瓦屋顶，以富于律动的淡墨线条画出窗棂、曲桥、山石与池塘，留下宁静的天空与白墙。寥寥数笔，江南清丽娟秀的情调便跃然纸上。
古树峥嵘虬枝张扬如果说黑白灰三种基本色，所描绘的房屋、天空与池塘，横向的分割了整幅画面，形成静谧的氛围。那么这份静谧就是背景，是陪衬。
4、韶山墨彩
吴冠中《韶山》是画家一生中极少数红色革命题材的作品之一。作品创作于上世纪七十年代，构图布局巧妙灵活，近树、远山、中景故居、民舍和池塘层次穿插而交代分明。
整幅画面由水墨铺成，仅在毛泽东故居的匾额用红色块点缀，形成了黑白作品中的唯一色彩，与当时由“红高亮”主导的宣传画式的红色题材作品在表现形式上拉开了距离。
5、义务劳动水彩
在这幅海南岛的水彩写生作品中，我们可以看到画家扎实的基本功，和对水彩特性的深入理解。画面造型准确，比较写实，显露出时代风气对画家的影响，在他的作品中也是珍贵而独具价值的一幅。
如何欣赏吴冠中先生的作品
这是吴冠中在1992年画的一件“江南水乡”题材画，人们已经见不到原来的江南风光画法，一改江南才子型的画法，转而进入到一种境界式的画法，与他的代表作《桂林水田》的追求大同小异。此幅《梯田》能将江南水田的山色、水色、光色同时画出来，与《桂林水田》相比，还是此幅作品略胜一筹。此图布局精妙，线条准确有力，点线纵横交织，繁而不乱；色墨交融，华而不杂，非大功力不可有此境界。此图在画面增添了空隙与生气，水波不兴的水面，起到动中有静的调节作用，令人胸中紧张之气得以一舒，妙不可言。吴冠中诞生於江南鱼米之乡。儿时故乡生活的回忆，深深烙印在画家的脑海里，成为其创作的素材之一。吴冠中在其回忆童年文章中写道：“河道纵横，水田、桑园、竹林包围著我们的村子。”此图堪称吴冠中艺术成熟期中最具代表性的作品之一，他在艺术品拍卖市场赢得高价当在情理之中。
吴冠中是一个诗人。苏轼说：“诗画本一律。”诗人应该有的一切，敏锐的视角、善感的心灵以及澎湃的激情，他都拥有，而且切实地表现于他的画作中；就像这幅《春山新雨后》，朦胧的、空灵的、欲语还休的、欲罢不能的，就如春夜里，聆听窗外雨滴芭蕉的那种刻骨缠绵。烟雨后的春山，粉红的桃，新绿的柳，白的壁，黑的瓦，迂回的小道，以及三三两两檐前树影里隐约着的盛装春沐的人们，似乎在告诉你，这不是实在的江南，而只是梦里的江南；或者，只是江南的梦。谁能说清楚，究竟是庄周跌入了蝶的梦还是蝶跌入了庄周的梦？
这又是吴氏对作为梦里梦外故乡的江南的回忆。江南的山水，是诗人的山水，是艺术家的山水。它生动地承载着少男少女朦朦胧胧的青春和梦，活泼泼的展露着生气。白居易说：“江南好，风景旧曾谙。日出江花红胜火，春来江水绿如蓝。”活脱脱刻写出江南独特的魅力。吴冠中《春山新雨后》则以画家的笔墨来表现诗人的情怀：“春来桃花红胜火，雨后柳丝绿如蓝。宁不忆江南？”
墨之花 45×48cm 墨彩
石涛说他用拖泥带水皴、邋遢透明点，称自己的作品是万点恶墨图，显然他明悟绘画的效果依凭于全局的笔墨构成，孤立的、局部的笔墨无所谓价值，如果说有价值，其价值在于体现了整体效果的需求，因之每幅画有每幅画的独特笔墨运用，故曰：笔墨当随时代。
我们在传统中得益的，是启发；我们在传统中受害的，是模仿。
酱园 85×100cm 油彩
童年在镇上念小学，班上一位显得女生优越而傲气，据说她家里有钱，原来她家在镇上开着大酱园。酱园生意兴隆，财源茂盛，大门外墙上写着“酱园”两个特大墨黑的繁体字，大约由于是人民的必需食品，那时南方各乡镇、县城都有酱园，大门外白墙上一律书写着大大的长方形的“酱园”二字，这有点像所以当铺的统一格式，触目便是一个特大的黑色方正的繁体“当”字。单凭这纪念碑式的黑体字，“当”铺和“酱园”一直深印在我的视觉记忆中。
不知从什么时候起，当铺和酱园日益衰败，几乎消失了。近几年到南方小镇参观，偶见昔日酱园的老模式，颇有新鲜感，那白墙上巨大端庄的黑体汉字极具视觉冲击力，那纵横的粗笔汉字构架无异一幅造型绘画。这绘画铭记了一个时代，亦可说是酱园时代吧，那时代酱园威风，今门前冷落，我于作品中引来当年小户人家乘坐的小舟，停泊于冷落的河滨，聊仪寄托或追思酱园的霸业盛年。
江南居 45×48cm 墨彩
一河两岸皆人家，家家白墙黑瓦，这是江南。白墙、黑瓦、门窗、河，都是集合体，大大小小的各式几何形构成丰富多样的画面，孕育着无穷美感。
砖木结构的住宅经不起岁月的消磨，新材料、新形态的建筑必然替代我们旧情脉脉的故居。除了作为文物保护的少数典型老街故宅外，我熟悉的江南人家的音容笑貌即将无可奈何花落去了。送别故人，故人的印象在心目中浓缩成一种抽象符号；几个块面，几种色彩，依傍一条灰色的河流，这就是我的新作《江南居》，亦即故人的肖像、遗像。
都市之网 水墨设色纸本 48×40厘米
人们先筑巢而居，而今高楼华宅，都市林立。但辉煌的物质条件掩盖不了生活之艰辛，竞争之无情，犹如鱼虾，人们都落入了都市之网，谋生之网。
红蜻蜓 51×46cm 油彩板本
那年月（文革期间），残荷无人收，直到冬天，冻成僵尸，有依然站立的，有已经倾倒的。冰天雪地中居然飞来一只红蜻蜓，以她身体的红色来凭吊冤魂。
都市之恋 85×100cm 油彩
现实世界中万象的形与色是一个整体，不可剥离。古代杰出的绘画作品既严谨于形，又力求色之稳妥，四平八稳，面面俱到。近代人生活多样，感情奔放，审美的要求随之大大展拓，于是对形、色、构成、韵律……萝卜青菜，各有偏好。画道万千，如各人心目之异，且情绪又随时起伏。《清明上河图》的图式都市，已成其时代的绝唱，今日新城，五彩缤纷，城之恋多半体现在线之恋及色块之恋中，这幅《都市之恋》拜倒于色块之石榴裙下。
吴冠中作品《忆杭州》
在画面中，作为主体的桥、桥下的水和桥后的天，都是灰色调的，这个选择本身就充满了挑战，但是作者用对颜色以及不同笔触纯熟的运用巧妙地化解了这个矛盾。桥上的行人仅用彩色和黑色错落地点出，用笔轻松而放逸，使这些小点成为画面中最亮眼的部分，不仅提高了画面的重心，也和桥下黑色的小船构成了呼应。作者大胆地置入了一叶扁舟，其画法很明显来源于中国画。江汀渚岸上白墙黑瓦的中国民居更是和小舟一起，强调了一派和谐而静谧的江南景象。整幅画将西方的材料技法和东方审美的内涵和韵致完美的结合在了一起。
吴冠中作品-鲁迅乡士组画之二
吴冠中画笔下的江南是鲁迅笔下的〈故乡〉，因喜欢鲁迅而开始描绘江南，并将鲁迅的故乡视为自己的故乡，此题材自然也成为他画中的最佳主角；此件作品〈鲁迅故乡〉系列属江南系列，但其构图方式及表现手法在此类题材中却是相当罕见的。他在画中，擅以全景式、俯瞰或鸟瞰的方式描绘江南水乡，因此，画笔下有着白墙黑瓦、小桥流水人家、门前柳树垂挂的夏江南如〈鲁迅故乡〉，而此类的构图方式是较为常见的。在此次拍品中，他改以近景及一点透视的构图，画中依旧是江南白墙黑瓦的建筑特色入画，但以主体场景乃仅容身过的窄巷穿越两壁高墙，画面空间经此安排，营造出深巷巨宅的幽邈，空间亦无限延伸，让人不禁想入画中，一窥巷后风光；宅前的老树新枝，门上的红联更是刻划出送旧迎新之感。
吴冠中作品-谁建大宅荫子孙
这又是吴冠中对作为梦里梦外的故乡江南的回忆。除了江南的山水─承载着朦朦胧胧的青春和梦，活泼泼的展露着生气的山水。江南民居同样是画家不可忘怀的素材，紫红的花卉，新绿是翠竹，白的壁，黑的瓦，铺满石块的门前小道，墨色的假山，还有让人感受历史和沧桑的门庭。画家题款“谁建大宅荫子孙，门庭几翻易主人”意味深长，似乎大家族的一幕幕历史闹剧在这里演开来了……
描绘江南水乡是吴冠中先生作品中典型风格的代表和最著名的题材。作为生于江南、长于水乡的画家，吴先生对江南水景有着浓厚的深情。如此深深的烙印与真切的情怀，使得先生笔下的水乡流露出情真意浓的雅致与灵秀。先生早期水墨画中，最著名的代表作、被中国美术馆收藏的《双燕》，既是典型的以水乡为题材的作品。十分巧合也倍显难得的是，此幅水乡作品中也出现了一双飞燕虽此双燕非彼双燕，但同样在增加作品本身意境与情趣的同时，也注入了不同一般意义与别样的情结。
《双燕》
2011年6月3日晚间，北京保利春拍《现当代中国艺术夜场-吴冠中重要书画作品》专场在北京亚洲大酒店开拍。本场压轴作品《双燕》以3000万起拍，以4000万的落槌价被8963号买家拍得。
作品简介：
燕子飞去 画境犹存
吴冠中一生都在以他的故乡江南为题，断断续续的记录着他对故乡的艺术印象。在为数众多的江南题材作品中，以《双燕》为题的作品是吴冠中的最爱，他自己就曾经多次谈到，“我一辈子断断续续总在画江南，在众多江南题材的作品中，甚至在我的全部作品中，我认为最突出、最具代表性的是《双燕》。”
“双燕”的灵感来自于江南的民居印象，来自于吴冠中无尽的乡愁，他说：“画不尽江南村镇，都缘乡情，因此我的许多画面上出现许多白墙黑瓦的江南民居。”这种乡情其实是吴冠中艺术作品背后最重要的灵感母体。作为视觉艺术大师，对吴冠中来说，“双燕”的主题一方面承载了他对故乡的情思，更为重要的是，从最纯粹的艺术角度来说，它也是吴冠中用艺术的形式语言转述中国文化视觉特质的工具载体。他曾解释说，江南情调之所以成为其绘画的主要源泉，是因为其中存在的诗情、画意，当然还有其他的原因，但对他来说，“起最主要作用的还是形式构成……分析其中的造型因素，主要是黑与白的对比，几何形的组合：方、长方、扁方、三角、垂直的、横卧的……简单因素的错综组合，构成多样统一的形式美感，这大概便是色调素雅的江南民居耐人寻味的关键。”(《吴冠中文丛·文心画眼》，团结出版社)我想这才是吴冠中真正寻求的“画境”，即使燕子飞走了，画境犹然存在。
《双燕》的画面着力于平面分割，画面的意象完全是出于几何形的组合，横向的长线及白块与纵向的短黑块之间形成强烈的对照关系。有抽象的意味，像蒙德里安、像马列维奇，但它又绝然不同于抽象。在吴冠中看来，西方所谓的纯粹主义、所谓至上主义，虽然“追求简约、单纯之美，但其情意之透露过于含糊”，像是断线的风筝，最终会使艺术家的情感无从寄托，甚至等于零。“不断线的风筝”是吴冠中在中西艺术对撞中发现的契合点和理论创造，是他在具象与抽象、意境与意味的默契之间寻求到的一个重要平衡点。“风筝不断线”为他充满情感内容的艺术实践增添更为理性的色彩。《双燕》中的白墙黑瓦，这时都己经转化成了理性构成的借体。横与直、黑与白的对比美在《双燕》之后，便成为长留在吴冠中艺术中的一个艺术眼目。其后来的佳作《秋瑾故居》和《忆江南》，都是从《双燕》的母体中幻化出来的嫡系。
用其学生钟蜀珩的话说，《双燕》乃是吴冠中—生中最优秀的作品之一，“因为它的确太美了，是千真万确中国江南的美。作为水墨画，它没有抄袭古人的任何痕迹；虽然借助了西方现代艺术对视觉科学规律的剖析，使画面的块面构架具有视觉张力，但却不见模仿西洋绘画的影子。动感的树干和枝条与特意添加的一对燕子，在画面中拨动起充满春意的诗境。东西方深厚的文化素养被艺术家的激情与智慧融化了，得到的是出自艺术家坦诚心灵，充满智慧和创造力的原创性作品。”(钟蜀珩，《唯真、唯善、唯美》，《江苏画刊》1991年第9期)作为当年陪着吴冠中发现这一母体的学生，钟蜀珩的回忆可能最直观的体现了作品的艺术特质。
19课父爱之舟读后感50字？
母爱和水般温柔，父爱如山般厚重。
小时侯，父亲在我眼里是一位天知晓地的“算命师”。懂事时，父亲在我眼里是一位“保姆”。现在，父亲在我眼里是一位忠实的朋友。
在《父爱之舟》中，作者将他的父亲给他的爱写的淋漓尽致，把他多年来一直闷在心中的感知写了出来。我认为我一直很孝顺父亲.我明白父亲对我的爱，对我的关心与关怀。
我曾忽略过父亲对我的爱，对父亲似乎有一种陌生的感觉。
现在，我知道父亲一直对我好，他从不会害我。我愿用一切来抵消我以前对父亲的态度。
我悔恨，悔恨我懂事得太迟，悔恨我以前的所作所为。
我已明白了父爱是什么。我也尽可能地去报答我的父亲，虽然他骂过我，打过我，对我生气，我都不在乎。
我只要父亲健康长寿，不要再为了我而伤身体了。
母爱和水般温柔，父爱如山般厚重。
小时侯，父亲在我眼里是一位天知晓地的“算命师”。懂事时，父亲在我眼里是一位“保姆”。现在，父亲在我眼里是一位忠实的朋友。
在《父爱之舟》中，作者将他的父亲给他的爱写的淋漓尽致，把他多年来一直闷在心中的感知写了出来。我认为我一直很孝顺父亲.我明白父亲对我的爱，对我的关心与关怀。
我曾忽略过父亲对我的爱，对父亲似乎有一种陌生的感觉。
现在，我知道父亲一直对我好，他从不会害我。我愿用一切来抵消我以前对父亲的态度。
我悔恨，悔恨我懂事得太迟，悔恨我以前的所作所为。
我已明白了父爱是什么。我也尽可能地去报答我的父亲，虽然他骂过我，打过我，对我生气，我都不在乎。
我只要父亲健康长寿，不要再为了我而伤身体了。
50字就不需要范文参考了吧，自己稍微写一下也有了
读后感的基本思路第一，如下：
(1)简述原文有关内容。如所读书、文的篇名、作者、写作年代，以及原书或原文的内容概要。写这部分内容是为了交代感想从何而来，并为后文的议论作好铺垫。这部分一定要突出一个“简”字，决不能大段大段地叙述所读书、文的具体内容，而是要简述与感想有直接关系的部分，略去与感想无关的东西。
(2)亮明基本观点。选择感受最深的一点，用一个简洁的句子明确表述出来。这样的句子可称为“观点句”。这个观点句表述的，就是这篇文章的中心论点。“观点句”在文中的位置是可以灵活的，可以在篇首，也可以在篇末或篇中。初学写作的同学，最好采用开门见山的方法，把观点写在篇首。
(3)围绕基本观点摆事实讲道理。这部分就是议论文的本论部分，是对基本观点(即中心论点)的阐述，通过摆事实讲道理证明观点的正确性，使论点更加突出、更有说服力。这个过程应注意的是，所摆事实、所讲道理都必须紧紧围绕基本观点，为基本观点服务。
(4)围绕基本观点联系实际。一篇好的读后感应当有时代气息，有真情实感。要做到这一点，必须善于联系实际。这“实际”可以是个人的思想、言行、经历，也可以是某种社会现象。联系实际时也应当注意紧紧围绕基本观点，为观点服务，而不能盲目联系、前后脱节。以上四点是写读后感的基本思路，但是这思路不是一成不变的，要善于灵活掌握。比如，“简述原文”一般在“亮明观点”前，但二者先后次序互换也是可以的。再者，如果在第三个步骤摆事实讲道理时所摆的事实就是社会现象或个人经历，就不必再写第四个部分了。
母爱和水般温柔，父爱如山般厚重。
小时侯，父亲在我眼里是一位天知晓地的“算命师”。懂事时，父亲在我眼里是一位“保姆”。现在，父亲在我眼里是一位忠实的朋友。
在《父爱之舟》中，作者将他的父亲给他的爱写的淋漓尽致，把他多年来一直闷在心中的感知写了出来。我认为我一直很孝顺父亲.我明白父亲对我的爱，对我的关心与关怀。
我曾忽略过父亲对我的爱，对父亲似乎有一种陌生的感觉。
现在，我知道父亲一直对我好，他从不会害我。我愿用一切来抵消我以前对父亲的态度。
我悔恨，悔恨我懂事得太迟，悔恨我以前的所作所为。
我已明白了父爱是什么。我也尽可能地去报答我的父亲，虽然他骂过我，打过我，对我生气，我都不在乎。
我只要父亲健康长寿，不要再为了我而伤身体了。
望采纳，谢谢
这是这是一篇回忆性散文，作者的父亲已经去世。对她深深的思念只能依托于梦中相见，课文以梦的形式呈现往事，描写了作者和父亲在一起的生活场景。表现了父亲对作者无微不至的深沉的爱，饱含着对父亲的无限思念
父爱之舟把父爱与船结合起来，形象地表现了父爱对“我”早期成长承载作用，从而揭示了文章的主题。父爱之舟，实指姑爹的小渔船，虚指父亲深沉的爱。
《父爱之舟》的主要内容是: 这是一篇叙事性散文，全文以“舟”为线索，按照时间顺序，从梦中醒来开始，以泪湿枕边结束，回忆了父亲在日常生活中和求学路上疼“我”的故事。表现出父爱的伟大与深沉，以及“我”对父亲的怀念和深深的感激。
父爱之舟主要内容50字 父爱之舟读后感50字
读《父爱之舟》有感 母爱和水般温柔，父爱如山般厚重。
小时侯，父亲在我眼里是一位天知晓地的“算命师”。懂事时，父亲在我眼里是一位“保姆”。现在，父亲在我眼里是一位忠实的朋友。
在《父爱之舟》中，作者将他的父亲给他的爱写的淋漓尽致，把他多年来一直闷在心中的感知写了出来。我认为我一直很孝顺父亲.我明白父亲对我的爱，对我的关心与关怀。
我曾忽略过父亲对我的爱，对父亲似乎有一种陌生的感觉。
现在，我知道父亲一直对我好，他从不会害我。我愿用一切来抵消我以前对父亲的态度。
我悔恨，悔恨我懂事得太迟，悔恨我以前的所作所为。
我已明白了父爱是什么。我也尽可能地去报答我的父亲，虽然他骂过我，打过我，对我生气，我都不在乎。
我只要父亲健康长寿，不要再为了我而伤身体了。
父爱之舟主要内容50字 父爱之舟读后感50字
作品赏析
人生长河，川流不息，中间有许多人来了又去了，许多事经历了又忘却了。波涛依旧轻扣人心，长河中始终不变的，便是那荡漾其中的父爱之舟，它是永恒的，更是伟大的。
读了吴冠中先生的《生命的画卷》，我仿佛置身于一幅清明上河图，里面最清晰的，便是吴冠中先生的父亲了，他仿佛夜空中最亮的一颗星，他的爱，如涓涓细流，流淌进了吴冠中先生的心灵，伴他成长。
吴冠中先生之父名曰吴爌北，是一位老师，平生教书育人，爱岗敬业，对儿子更可谓是呵护有佳，对他的爱磅礴如高山，深沉若潭水，让人赞叹这位父亲之伟大。
吴爌北先生勤俭节约，可对儿子从来是毫不吝啬。吴冠中儿时因住客栈被房里的臭虫咬得满身疙瘩，吴爌北先生当即下决心加钱换房，丝毫不在意自己挣的血汗钱，只求儿子更好。这是一种平凡而伟大的举动。想想那时，正值国民时期，经济条件极其困难，吴冠中先生家又种庄稼，又养蚕，还得办学，都无法满足日常所需，学校经费也十分紧缺。而此时，吴爌北先生还是毅然决定加钱，其执著，其决心令人叹服。读于此处，我眼前仿佛浮现出吴爌北先生坚毅的神情。那神情，是最珍贵的，是无价的，里面饱含着浓情与温暖，让人心头一震，为之动容。
吴爌北先生对儿子的爱，远不止这样。逛庙会时，吴爌北先生不忍心让儿子吃凉粽子，硬是带着吴冠中先生吃了一碗热豆腐脑。在现代人看来已不算什么，也没什么大不了的，不就一碗豆腐脑吗?路边，学校旁的小食摊何处没有?其甚至成了现代人眼中的低劣食物。可在资源十分匮乏的年代，豆腐脑应该似今日的鲍鱼吧!一碗豆腐脑温暖的决不仅仅是吴冠中先生的肚子，更是他的心。何止如此，孝顺的吴冠中让父亲也尝尝时，他却一点也不吃。短短几字，朴实无华地写出了吴爌北先生的无私与真诚。设想一下，一碗热气腾腾，雪白如玉的豆腐脑摆于难于温饱的人面前，有多少人会抵挡住诱惑而推却呢?可为了儿子，吴爌北先生却一点不尝，如山父爱被吴冠中先生用寥寥几笔清晰地勾勒出了轮廓。
“父亲向姑爹借了他家的小小渔船，同姑爹……”这一场景在文中曾多次出现，轮廓被夜空勾勒得格外清晰，在这层层画面之中，出现了吴爌北先生的背影，那是他在为儿子缝补衣服，细细品味，漫漫长夜，河道仅一尾小舟，孤零零地在河上漂，船上亮着一星微弱的灯光，一位父亲正佝偻着身子，为游子缝补衣裳，背影上净是他的沧桑与辛劳……这背影饱含着慈父的不易，以及父子间的深情。朱自清先生也曾写过父亲的背影，相比之下，我更欣赏吴冠中先生对父爱刻画得更为细腻，其意境之美更让人耐人寻味。
吴爌北先生对儿子的爱体现在换房，一碗热豆腐脑以及密密针角上……，那悄然来临，伪装甚妙的父爱无处不在。吴爌北先生在吴冠中的生命的画卷里留下了绚烂的一笔!让人看在眼里，暖于心中。
总听人说，父爱常常体现在转角处的回头以及匆匆离去时的背影。往事如斑斑驳驳的墨迹，渐渐淡去，始终不变的，便是那里面珍藏的酒酿，当它酝酿多时，一天你再打开记忆匣子，馥郁纯香的味道在空气中弥漫，甘香纯美在口中荡漾，阵阵回味，目光中定会浮现欢笑、吵闹、亲切的话语……父亲正在前方向你微笑。滴滴泪珠在你脸颊肆意流淌之时，你会发现你错过了父爱。子欲养而亲不待，这是每个人不愿的，寸草心虽无法报答三春晖，但可沐浴着光辉成长，成为参天大树的那一刻，便是对他最好的答复。
水何澹澹，岁月悠悠，人生路上，有岁月长河的父爱之舟相伴，你定不会孤单，温暖相伴，永远永远……
如何解读吴冠中的艺术作品？
多年来，吴冠中徘徊在西方文化与东方传统的十字路口上。他早年受教于林风眠与潘天寿等大师，其文化修养与艺术训练都是中国式的，而后在巴黎的三年留学生活，则将他领进一个完全陌生的西方美学天地。同样难忘、深刻。在系统地观察吴氏的作品时，可以看到两种艺术最初正面交锋，渐渐互相妥协、融合，他耕耘的基础是他在最后层次上对中国美学的深刻认识及对西方现实技法的掌握。二者初时于他形同水火。鱼与熊掌单取其一，该是多么轻松啊！他却偏偏两个都要。
吴冠中的艺术作品，在左顾右盼、东成西就中摇曳生姿，打通了中西方绘画融合中的“任督二脉”，最终形成了极具个人特色的东西合璧的一种艺术表达途径，无论是人物还是山水，蕴含在其中的形式感、韵律感当是最明显的一个特点。
个人觉得吴冠中先生的作品只有用心去读才能读懂。他打通了中西方绘画融合中的任督二脉。实现了中西合璧。他的话独出心裁，跟别的画家有很大的不同。他的绘画方式很值得我们学习。尤其在传统文化的萃取方面。他体现的特别地好。
吴冠中的画百年之后不倒，比范曾之流强多。只是一句笔墨等于零，自己挖了个坑陷阱去了。有点偏西否中味道，所以说话也是一门艺术。说道范曾，顺便再说一句，其国学不错，画也不错，其狂允许狂，但连起码尊师没有，失去人格，可叹可惜！
通过观看吴冠中的很多艺术作品，其实不难看出他很多艺术其实都来源于生活的各个方面，体现的大部分都是对于乡村生活的热爱之情，同时不难发现他具有一颗发现美的眼睛，总是去捕捉一些特别细节的东西和朴实的东西。
所谓艺术来源于生活，吴冠中的很多作品都是来源于现实生活中的，通过他的是作品，你可以看出吴先生对生活的热爱，所以我们每个人都应该热爱自己的生活，因为，生活也就是艺术。
鉴赏吴冠中油画《长江三峡》
一九七三年冬，受周恩来总理委托，吴冠中、黄永玉、祝大年、袁运甫为北京饭店创作《万里长江图》同赴三峡写生。在奉节的一周时间里，我有幸陪同几位先生，每天在外写生十多个小时。每天清早先生们随航道段管理航道灯的工作船进入瞿塘峡，天黑后方乘船返回县城。时值寒冬，峡风很大，写生画板随时有被风刮走的危险，不得不用石块将画架固定。中午只能吃几口冷馒头。面对雄奇夔门，先生们心境豁然开朗，一切困难都被抛在一边。白天在刺骨的峡风中写生，晚上挑灯整理画稿，创作态度严肃认真。而且每天写生回来，每人必作旧体诗一首，互相切磋，相互学习。从几位先生的言谈中我感觉到，他们特别地珍惜这次写生机会。在思想和艺术被禁锢的年代，如果没有周总理的指示，他们只能呆在北京的家里“学文件”。
那时，奉节还没有一家象样的招待所，先生们住在县政府的几间简易客房内。自己掏钱在职工伙食团吃饭。有一次回来晚了，做饭的高师傅见饭菜已冷，特地给几位先生烧了一道热汤。先生们边喝边说：“好汤！好汤！”。黄永玉先生风趣地说，厨师水平高低就看汤烧得好不好，看来你是个好厨师。高师傅人很厚道，听了表扬只是笑。为答谢高师傅，黄先生为他画了幅惟妙惟肖的线描肖像。几位先生在旁看了，都称赞画得好，并叮嘱高师傅好好保存。离开奉节前，吴冠中先生为感谢航道段同志每日提供交通方便，将一幅画在三层板上的《夔门》油画赠给段里的一位同志。这件银灰色调的夔门约四尺三开大，先生整整画了一天。吴冠中先生还特意作山水一幅，并题上自作的黄山诗，赠给我作为纪念。二十多年来，这幅四尺六开的即兴之作得到我精心的保存，看到它仿佛就看到了吴冠中先生在峡里专注写生的情形。
来源：(http://blog.sina.com.cn/s/blog_65d623e30100jswc.html) - 一九七三年，我陪吴冠中在长江三峡写生_魏靖宇_新浪博客
今年六月，全国政协考察团一行在王文元副主席的率领下，考察游览长江三峡瞿塘峡和历史名胜白帝城。在考察团的名单中，我惊奇地发现了全国政协常委、“人民的艺术家”吴冠中。想不到时隔二十七年，我能再次在三峡见到吴冠中先生。我连夜找出那幅纸张已微微发黄的《黄山诗意画》，心中热切地盼望着第二天能早日见到先生。十六日这天下午，天很热。考察团一行乘船前往瞿塘峡、白帝城参观。在人丛中，我一眼便发现被人簇拥着的吴冠中先生。我疾步上前，握住先生的手，说：“吴老还记得我吗？二十七年前，我陪您到峡里写生，没想到今日又相见在白帝城。”说着便将随身带来的画展示给吴老。吴冠中先生和站在一旁的著名画家赵士英都十分惊喜。吴老忙说：“记得！记得！那时你还是个小伙子。”我说：“吴老上次到三峡时五十多岁，正是我现在的年龄。”周围人亦同声说道“有缘！有缘！”回顾往事，吴冠中先生记忆犹新，接过《黄山诗意图》，感叹时光如流、不禁骇然。吴老特别提起那幅赠给航道段那位同志的《夔门》，说：“我当时实在是有点舍不得啊！可是我们没有钱付船费，只有送画。”
船抵白帝山，八十一岁高龄的吴老，步履矫健，信步攀上长长的石阶。许多年纪比他轻的，都走不过他。在三峡口，吴老连声赞叹夔门的雄奇。他说：“夔门虽线条简练，但很有观赏性。每次看夔门，都有不同的感受。”我说：“现在到三峡写生的画家，特别是名画家相对以前少多了。”他说：“画家闭门造车是不行的。”在白帝城，吴冠中先生始终不到休息室休息。艺术家的眼睛在不停地摄取自然之美，记录历史的沧桑。在我的带领下，先生游览了白帝城，并饶有兴致地参观了三峡木石艺术作品展。临别前，我对先生说：“不管怎么样，您得为白帝城签个名，不然是白帝城的一大遗憾。”博物馆的同志准备好笔墨。吴冠中先生略为思索，挥笔写到：“白帝城上念兴亡吴冠中2000.6.16于白帝城” 。
请从美学角度评论一下吴冠中的作品《崂山松石》
老远处就看到崂山了！
一块又一块相互堆叠的圆润的石头，我烦躁的心终于沉静下来。圆，总赋予人平和，不象尖，尖总让人紧张。
本来我是紧张的。早晨起得早吃得迟，一路颠簸加上汽车总是在山路上盘旋，所以，我这只待惯了平原的胃一直在抗议，眼看着就要翻江倒海。而现在，远处静立的崂山象位仙者，轻轻地提携着萎靡的我，使我有足够的力量挺直腰杆靠近车窗、仰望它的仙风道骨……
前几天我还狂慕的海呢？前几天我还惊羡的日式别墅呢？它们，怎么都不重要了？此时，我世俗的双眼只见证远处，远处圣人一样静谧地微笑着的崂山。
其实，我早就见过崂山了。那是在吴冠中先生的油画里。
十来幅吴先生清新沉静的油画，我的目光却是一双有所偏好的蝶，它们逗留在了那幅《崂山松石》上，并且久久不曾离开。跟随这样欢喜的目光，我的内心却是疑惑的：世上真有这样的山么？一块块圆润的石头，石头中间镶嵌着纤细迤逦的松，人工雕琢一般。是画家情感处理过的山吧？我印象中的山都是瘦骨嶙峋、尖锐峭拔的，而吴先生笔下的崂山却如此圆润沉静？我笑了，笑画家那颗温润美丽圆柔的心。
而今，真正的崂山就矗立在我面前，我忽然发现吴先生画笔表达得精确，就是那样圆润的没有尖角的山！仿佛被岁月磨圆了，又仿佛与生俱来。
导游说：“崂山是道教胜地，据传丘处机王重阳张三丰都曾在此修炼过，有没有成仙就很难说了……”其实不用成仙，单在这圆石后面隐逸本身就充满仙机了，成仙与否又何必追究呢？
导游没有带我们去拜谒道观，只带我们在崂山脚下盘旋。我一遍又一遍地看着触手可及的椭圆的山石，想像着道家的自然无为任性逍遥。难怪世上有如此圆融的石，在道的引领下，一切事物都不会太过尖锐吧？ 这没有锐角的石头多象道家倡导的人生啊，于山上于天外于人世间无为逍遥。
我一趟又一趟地在崂山脚下徘徊，越发觉得崂山就是位仙者。尘世里有各种纷争各种屈辱各种矛盾，而最终来解救的都是圆，谁是真正的赢家谁又是真正的输者？几百年几千年几万年后，一切皆为虚空、一切皆为尘土。所以说崂山就是位仙者，他利用石头在人世间画了一个又一个圆，揭示着一种又一种的虚无……
站在崂山面前，悟出虚无了，也就接近逍遥了。
我认为这幅画,好就好在他的似与不似之间的一种神韵,有近及远,没有采用西洋美术的近实远虚的手法但将视野延伸至百里之外给人一种茫远飘渺的意境,树木错落有置,整体一气合成,
中西融合！ ”内容决定形式”！
这样的话不知道我听过多少遍已无法回忆计数了．
吴先生语录："栩栩如生"，几乎成为我们赞扬美术作品的至高标准了！我并不笼统地反对模仿客观外貌真实的栩栩如生的要求，但这不是造型艺术的最高标准，更不是唯一标准，珂勒惠支的作品就特别动人，人们介绍她画中深刻的情节构思，但其作品打动人的决定性因素还是独特的形式感．．．．听起来吴师似乎在强调形式，阐述形式在作品里的举足轻重之作用，但吴师讲到：我强调形式美的独立性，希望尽量发挥形式手段，不能安分于"内容决定形式"的窠臼里。但是我个人并不喜爱缺乏意境的形式，也不认为形式就是归宿．他回忆道：”我长期被批为“形式主义者”，我确视形式美是绘画惟一安身立命的基地，但我之爱上形式美是通过了意境美的桥梁，并在形式美中发现了意境美的心脏。人同此心，心同此理，人与人易于共鸣，我在朦胧中感到风筝不能断线，此线也，作品与人民感情间千里姻缘一线牵之线也。”
在吴师的心中，其实在我理解程度看来他并不是将形式美推到了艺术美的评价标准，在他的心里，一直根深蒂固的恰恰是他时刻念念不忘的意境美，他的乡土情怀．”我个人并不喜欢缺乏意境的形式”直溜溜地将他的绘画奋斗目标展现无余．形式，他只不过是为了更好地表达出他绘画的本意－－中西融合！
这是吴先生的原话：大约1973年，我和德侬等几个朋友躲入崂山作画。那是粗犷的野山，绝无游人，我们曾迷途深山一整天，十分惶恐。后来捡了一块小石头，我的学生王进家刻上“误入崂山”，至今置在案头。没有碰见崂山道士，山上山下石头多，也许道士已变成石头。石头大而黑，像伏着的牛群，也许是狮、象，请毕加索或亨利·摩尔来看看吧，到底是属于哪家的抽象。
松树，在石隙间伸长，虽然曲，漫山遍野布满了它的家族。从山下爬上山顶，一路都是瘦骨嶙峋的松陪伴着团团饱满的石，坚硬地面对照着强劲的线，曲线穿插在团块之间，团块之上。我为此作了几幅油画，都失败了。因刻画了石头坚硬之质，色彩必然偏浓重或灰暗，则劲松之骨干便难于突出，画境全失。于是改用线描，用钢笔在宣纸上勾勒，选取具典型性的石与松，在写生中同时组织构图，从山下一路采石采松到山上，作成了一幅四尺整张宣纸的崂山松石图。素描中的石头是空白的，不涂色，只靠线表现其形体特色，这线，既表现了石头，更须同松树之线相配合，时而合唱《天仙配》，时而合演《三岔口》。
事隔十余年，翻出这幅素描，似乎感到意犹未足，便用整张六尺宣纸重抒旧怀，或者说故事新编，作成墨彩崂山松石。赋了彩，彩与线二重唱；染了远山，灰调烘托主体石头山，山之质量感更凭面积分割中的大小与形状来暗示。其实，用线表现质量感的暗示手法在传统中早已存在，黄公望和倪云林就常用，《芥子园画谱》教初学者画山石一条基本法：大间小。
崂山最予我强烈印象的，不是山，不是海，而是石。巨石遍野，方、圆突兀，色分黑、白、灰、紫，或横卧，或矗立，或斜倚，人生百态，尽在其中矣。石隙中不仅杂草成窝，且处处生长出屈曲的松，虽细瘦，却坚挺，风景这边独傲。刺丛开花，花丛多刺，是玫瑰；石丛长松，松抱石丛，是崂山。
我用油彩和素描画了几幅屈曲的松伴笨拙的石，都是山上山下跑来跑去组合而成，有幅油画《崂山松石》还是在微雨中创作完成，得来辛苦，但后来还是流落到日本了。慈母手中线，游子身上衣，事隔20年，我怀念那幅远在异乡的松石了，于是参照印刷品再创作。我减弱了体面与局部的坑坑洼洼，一味突出石与松的线之联姻，凭量感美的递变呈现多变而统一的高山阔野，那确是我心目中的崂山了，体现了自己的审美观，并觉反刍得有滋有味。但不知崂山道士会不会有异议。
鉴赏吴冠中的《春如线》
我国传统绘画大都用笔、墨绘在纸或绢上，笔与墨是表现手法中的主体，因之评画必然涉及笔墨。逐渐，舍本求末，人们往往孤立地评论笔墨。喧宾夺主，笔墨倒反成了作品优劣的标准。
构成画面，其道多矣。点、线、块、面都是造形手段，黑、白、五彩，渲染无穷气氛。为求表达视觉美感及独特情思，作者寻找任何手段，不择手段，择一切手段。果真贴切地表达了作者的内心感受，成为杰作，其画面所使用的任何手段，或曰线、面，或曰笔、墨，或曰××，便都具有点石成金的作用与价值。价值源于手法运用中之整体效益。威尼斯画家味洛内则(Veronese)指着泥泞的人行道说：我可以用这泥土色调表现一个金发少女。他道出了画面色彩运用之相对性，色彩效果诞生于色与色之间的相互作用。因之，就绘画中的色彩而言，孤立的颜色，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫，无所谓优劣，往往一块孤立的色看来是脏的，但在特定的画面中它却起了无以替代的效果。孤立的色无所谓优劣，则品评孤立的笔墨同样是没有意义的。
屋漏痕因缓慢前进中不断遇到阻力，其线之轨迹显得苍劲坚挺，用这种线表现老梅干枝、悬崖石壁、孤松矮屋之类别有风格，但它替代不了米家云山湿漉漉的点或倪云林的细瘦俏巧的轻盈之线。若优若劣?对这些早有定评的手法大概大家都承认是好笔墨。但笔墨只是奴才，它绝对奴役于作者思想情绪的表达，情思在发展，作为奴才的笔墨手法永远跟着变换形态，无从考虑将呈现何种体态面貌。也许将被咒骂失去了笔墨，其实失去的只是笔墨的旧时形式，真正该反思的应是作品的整体形态及其内涵是否反映了新的时代风貌。
岂止笔墨，各种绘画材料媒体都在演变，但也未必变了就一定新，新就一定好。旧的媒体也往往具备不可被替代的优点，如粗陶、宣纸及笔墨仍永葆青春，但其青春只长驻于为之服役的作品的演进中。脱离了具体画面的孤立的笔墨，其价值等于零，正如未塑造形象的泥巴，其价值等于零。
